掌握这几种构图方法，你也能拍出大片

1.均衡式构图
均衡构图，顾名思义就是整体感觉柔和舒服，不争不抢，给人以满足和平静的感觉。在画面结构上，要求完美无缺，对应而平衡。又称平衡式构图，常常用于月夜、水面、夜景、新闻等题材。
2.对称式构图
利用对称的视觉效果来构图，一般具有平衡、稳定、相对的特点。这种构图方式运用较广，有个缺点，就是图片容易看起来呆板，没新意，缺少变化。但是对于要表现对称的物体、建筑、特殊风格的物体，对称式的构图有利于突出被拍主体。
3.变化式构图
一般用于山水小景、体育运动、艺术摄影、幽默照片等。一般表现形式就是把景物故意安排在某一角或某一边，能给人以思考和想象，并留下进一步判断的余地。富于韵味和情趣。一般这个是大片常用的构图，需要考验摄影者的创造力，能否拍出自己想要的意境，然后表现出。
4.对角线构图
无人机航拍最常用的角度。拍摄方法很简单，只需把主体安排在对角线上，在视觉上有延长的效果，容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果(例如聚光灯照射主体。常用于拍车流，拍大桥等富有线条的主体。
5.X形构图
线条、影调按X形布局，透视感强，有利于把人们视线由四周引向中心，或景物具有从中心向四周逐渐放大的特点。常用于建筑、大桥、公路、田野等题材。
6.紧凑式构图
将景物主体以特写的形式加以放大，使其以局部布满画面，具有紧凑、细腻、微观等特点。常用于人物肖像、显微摄影，或者表现局部细节。对刻画人物的面部往往能达到传神的境地，令人难忘。
同时也适用于日系构图和调色。
7.三角形构图
顾名思义，三角形构图是指以三个视觉中心为景物的主要位置，以三点成一面的几何形成安排景物的位置，形成一个稳定的三角形。这种三角形可以是正三角、也可以是斜三角或倒三角。其中斜三角形较为常用，也较为灵活。三角形构图具有安定、均衡、灵活等特点。
8.S型构图
常用于河流、溪水、曲径、小路等场景，是指画面上的景物呈S形曲线的构图形式，有延长、变化的特点，S构图有种优美、雅致、协调的感觉。拍摄时当需要采用曲线形式表现被摄体时，应首先想到使用S形构图。
9.九宫格构图
可以说是最常用的一种构图方式。首先把画面分成九宫格，将被摄主体或重要景物放在“九宫格”交点的位置上。“井”字的四个交点就是主体的最佳位置。一般认为，右上方的交点最为理想，其次为右下方的交点。但也不是一成不变的。这种构图格式较为符合人们的视觉习惯，使主体自然成为视觉中心，具有突出主体，并使画面趋向均衡的特点。
10.小品式构图
比较富有情趣，寓意深刻的构图形式，通过近摄等拍摄手段，并根据思想把本来不足为奇的小景物趣味化，留人想象的空间。
11.向心式构图
使主体处于中心位置，而四周景物呈朝中心集中的构图形式，能将人的视线强烈引向被摄物体，起到聚集的作用。具有突出主体的鲜明特点。
12.垂直式构图
常用于表现万木争荣的森林参天大树、险峻的山石、飞泻的瀑布、摩天大楼，以及竖直线形组成的其他画面。能充分显示景物的高大和深度。
13.对分式构图
将画面左右或上下一分为比例2:1的两部分，形成左右呼应或上下呼应，表现的空间比较宽阔。其中画面的一部分是主体，另一半是陪体。常用于表现人物、运动、风景、建筑等题材。
掌握了这十三种构图方式，相信你再次拿起单反时会有不一样的感觉。同理，视频拍摄的构图方式和图片类似，也就是说这十三种构图方式同样适用于拍摄视频，只不过形式不一样，一个是静态图，一个是动态的图。要知道，美是具有共同点的，无论摄影摄像都是做减法。有了理论知识，再配合稳定器这些外界的设备，其实，人人都是摄影师。

晚会拍摄应如何构图？以及拍摄的技巧？

　　保持画面的构图平衡

　　在每次按下录像键之前，我们都要环视四周的环境，看看取景器中被拍摄的画面是否是自己所需要的——这就是在构图。摄像的构图规则跟静态摄影的构图规则十分类似，不但要注意主角的位置，而且还要研究整个画面的配置，保持画面的平衡性和画面中各物体要素之间的内在联系，调整构图对象之间的相对位置及大小，并确定各自在画面中的布局地位。

　　一幅完美的构图 ，起码应该做到下面几点：

　　1、画面整洁、流畅，避免杂乱的背景。杂乱的背景会分散观看的注意力，降低可视度，弱化主体的地位。拍摄前应该剔除画面中碍眼的杂物，或者换一个角度去拍摄，避免不相干的背景出现在画面上。

　　2、色彩平衡性良好，画面要有较强的层次感，确保主体能够从全部背景中突显出来。如穿黑色衣服的人不要安排在深色背景下拍摄。

　　摄像构图的一般规则

　　在拍摄前保持摄录机处于水平位置，这样拍摄出来的影像不会歪斜，你可以以建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体为参照物，尽量让画面在观景器内保持平衡。

　　要尽可能接近目标，这样才会保证不会有不相关的背景出现在画面上，但你也必须在主角四周预留一些空间．以防主角突然移动。要保证摄录像机与被拍摄的主角人物之间不会有人或有其他物体在移动。不要让一些不相干的人物一半在画面中，一半在画面外。如果你拍摄的是你无法控制的活动，那么，你不可能确保所有构图都很完美：但是你可以把你的拍摄主角安排在画面中的正确位置。同时把整个场景扫描一遍，把不要的景物排除在外。

　　构图时还要注意：运动中的物体不管多小都比静止的物体容易吸引眼睛的注意力，因此，注意不要让不必要的会分散观众注意力的运动中的物体，出现在画面背景上。此外，一些抢眼的色彩也要注意，特别是红色、鲜黄色和深蓝色尤其会吸引眼睛的注意，画面中要避免出现跟主角没有关系但却会抢眼的色彩。

　　（不平衡的构图。拍摄距离太远，背景太杂、太多、太乱，主要人物不能很好的突现出来。）

　　很多专家推行“三分之一”的构图原则。摄像实践表明，让重要的景物或人物正好位于画面1/3处——而不是在正中央，这样的画面比较符合人的视觉审美习惯，甚至比主角在正中央的画面要有美感得多。一个完整画面被两根垂直和两根水平方向上的线都分成九等份，其中垂直线与水平线交会的4个点，这就是画面中最能讨好视觉的部分，可以把这个位置作为主体最重要的部分的中心。（人物位于画面中的三分之一处，面部正好处在左上角的两线的交点上，是符合“三分之一”构图原则的。并且背景也不杂乱，人物形象被很好的突出出来。）

　　人物的摄像构图

　　当主角看的方向或行走的方向不与画面垂直时，他们面对或前进方向的前面要留下的空间——“前视空间”，多过他们后面的空间——“多余空间” ，应该将“多余空间”减少到最低程度。

　　（不平衡的构图。人物身后多余的空间多于前进方向的空间。）

　　（平衡的构图。）

　　拍摄人物时，不要给所拍的人物头顶留太多的空间。否则就会造成构图不平衡缺乏美感。如果画面中人物身高不及画面的三分之一，观众就得集中目力仔细辨认，时间稍长就会感到乏味。记得应该把人物眼睛维持在画面上方1/3的高度，如果面孔在这个高度以下，这个人看起来好像掉落在电视屏幕里。

　　（不平衡的画面，头顶的空间过大。）

　　（平衡的构图，看起来舒服多了。）

　　进行人物的构图时还要注意不要去犯一些低级的构图错误：譬如电线杆突出在画面人物的头顶上、建筑物的水平面与画面人物的脖子等高、电线横在脖子上等等。

　　关于裁身点。拍摄画面一般有远景、中景、近景、特写等表现手法。如果你以远景拍摄，人的全身都会出现在画面上。如果你以中景、近景、特写手法去拍摄，这样就需要把被拍摄者的身体从下往上依次递增的从画面上裁掉一部分。那么请注意不要把人的膝盖、腰部和颈部作为裁身点，在这三点上裁出来的画面让人看起来是很别扭的。除非你进行的是脸部或身体某部位的特写，最好的裁身点应是腋下、腰部下面一点，膝盖上去一点。

　　摄像构图中应注意的问题

　　一忌面面俱到、淡化主题。

　　新手在摄像中容易出现的一个错误就是：喜欢用远景，将过多的背景放在画面中，导致主次不分。看到眼里的花花草草就爱不释手，恨不得都拍摄进来，生怕有漏掉的地方，主体人物倒成了花草的点缀，看上去像一个风景片。拍摄录像片应该多采用近景乃至特写镜头，把主角突出出来，人物丰富的表情才会清晰可见。

　　二忌死搬硬套、教条主义。

　　我们应当熟悉规则、学会运用规则，活学活用，顺势而为，切不可盲目听从一般的陈规旧套。如果我们只知道刻板地去运用“规则”，那么我们的作品就会显得呆板生硬，失去美感。

　　摄像也是一种艺术创作，而艺术是有规则但更无规则的。所谓的构图规则，只是摄像创作的基础套餐，并不能代表一切。就像画画一样，好的作品是脱胎于规则但不拘泥于规则的。摄像构图的最后一条规则就是要打破一切常规、打破一切束缚、反对一切戒条，这样创作出的作品才会有生命力~!

怎样轻松学会摄影构图？

　　成功的摄影照片取决于摄影师对作品的构图细节和特征的理解程度。构图是使照片美化的主要方法，没有哪一种摄影技巧可以一招鲜吃遍天，当你无法找到合适的画面构图-需要不断的尝试。在本文中，将向你介绍摄影构图技巧，这些技巧可以帮助你拍摄的照片更加专业。　　

　　三分法则

　　流行的构图规则“三分法”涉及将画面分为六条等距的线，其中三条是水平的，三条是垂直的。正是这一定律告诉我们，我们不应尝试将要拍摄的物体准确地放置在中心位置-这会使观看者感到疑惑，因为观看者不知道照片的哪一半是主要的。线相交处形成的点是注意的节点。应在其上放置物体和人，并将注意力集中在他们身上。　　

　　图片中的对称和不对称

　　有时将由小的有序线组成的构图居中可能是一个特殊的想法-然后我们上面讨论的“居中”构图将是合理的。这些照片通常包含桥梁和楼梯的图像。然后最好偏离三分法则，将被摄对象的重点放在中心部分-您将强调细长的几何形状，设置一定的节奏并创建经过完美验证的镜头。

　　不对称是摄影中非常流行且“有效”的技术。它可以在各种类型的作品中找到：城市，自然景观，肖像，静物。该方法的本质是正确地将对象放置在注意节点中，但同时忽略框架的其他细节。　　

　　散景

　　为了使观看者更容易了解照片传达的含义或突出主题，可以使用图像的焦点和散焦的交替。在画面中主要的主题都应该清晰可见，而其他所有东西都应该是模糊的。这可以是肖像，沿着道路赛车的快照，奔跑中的马匹等等。

　　相框照片

　　相框不仅可以是照片木制框架的形式，而且可以在照片本身内部。这种艺术手法具有深度和表现力。美丽的建筑物，古老的柱子，甚至门窗以及自然的拱门：树枝，藤蔓等都可以成为“相框”。

　　选择一个有利的角度，该角度将宽敞地覆盖框架并赋予其所需的对称性。对于风景摄影，相框大大减轻了构图，使其具有艺术气息。

　　创建引导线

　　如何使观看者了解照片的语义?使用线条清楚指示移动方向。具有细长几何形状的任何物品都适合此业务：道路，建筑物的墙壁，楼梯和桥梁。

　　如果你看到前方有许多水平线，并且它们全都构成了有趣的构图，请将它们作为照片的基础，然后在最上面的第三位置放置一条水平线进行引导视线。

　　使用三角形和对角线

　　图片构造中的几何形状可以设置其动态效果，使其更深层次，并允许您体现创造性的艺术思想。原理很简单：摄影师用射线法捕捉位于框架中的物体-构图被分割成三角形，覆盖了整个照片结构。组合大小物体的理想选择：左，右，顶部和底部。最主要的是要避免在中心分组，并使图像具有非标准的对称性。

　　摄影中的偶数和奇数的奇偶性

　　摄影法则之一说：画面中必须有奇数个物体。这是由于这样的事实，即观看者更容易感知具有给定构图重点的图片。如果看到前方有三个人，注意力将自动聚焦在中心人物上。按照这种逻辑，框架中的两个对象或人会使观看者感到困惑。但是，如果您用真实故事拍摄照片，其中两个对话者位于框架的中央，那么可以偏离规则。尝试生动地显示人们的手势，他们的情绪和面部表情，表达的元素-那么长时间看图片会很有趣。

　　微距拍摄

　　微距拍摄的基础是特写镜头。例如建筑精美的建筑物-任何值得注意并能够捕捉细节的事物都可以成为框架构图的中心。上方和沿边缘的一点天空，一条较低的水平线就足够了。在人像摄影中，强调眼睛是很重要的。　　

　　给画面添加动感

　　美丽的物体映衬在天空中，空置中的孤树，被水包围的灯塔，风景中的人-这种极简主义的构图方法和大量的自由空间使图片“更轻松”，使观看者可以更轻松地感知信息并对其进行解释。通过创建具有自由空间和空气的图像，可以使画面具有动感。　　

　　尝试角度

　　在拍摄人物的大多数情况下，站立时会在被拍人像的视线角上产生一个角度。但是值得记住的是，改变线条的对称性和以角度玩耍可以使照片原始且不寻常-在这种情况下，经常有可能在项目背后传达想法。

　　因此，例如，拍摄从低点跳下的狗，会在视觉上增加地面与其爪子之间的距离，从而创造出语义表达能力。对于具有许多有趣主题的风景，不要害怕从上方拍摄。为了找到最适合自己的东西，改变相机的位置非常重要。

　　色彩搭配

　　颜色在组成中也起作用。借助颜色及其适当的组合，将反映出画面的气氛和所有情感。摄影师必须学习色彩学，但首先可以使用特殊的色彩表，设计师，艺术家和其他创作者可以将其用于作品中。组合阴影并创建完整图片的能力是一项重要技能，它将使你的摄影技能更上一层楼。

　　运动构图和方向选择

　　一个人从左到右感知到任何运动-这就是我们的方式。拍摄时，请牢记此细节并在工作中使用它。例如，一辆汽车在马路上冲动，一辆自行车在林间小径上行驶，一个人在奔跑，他的狗正试图追上-重要的是不要忘记在前面留一个空白，这将有助于更好地了解构图的动态以及图片主人公的前进方向。精心选择的固定运动方向可以使摄影动态产生奇迹。

　　平衡

　　如果在街道前面有漂亮的灯柱，请按照三分法则进行排列，并在画面中包括次要元素-它们应保持一定距离：例如，在道路的另一侧。此技术将平衡图像，在结构上平衡图像。同时，灯柱将继续占主导地位，但有机物将出现在构图中，这将在艺术上变得有趣。避免将照片分开的单一轮廓。

　　画面对比

　　这是最富表现力的技术之一，它赋予图片独特的氛围并反映了现实的两个方面。新与旧，黑白，有趣和悲伤，孩子和老人，动态和静态-对比总是赢家，并有自己的哲学思想。

　　在摄影实践中使用上述构图技巧，一定会找到自己的构想，这些技巧将为您的作品增添风味和独创性。不要害怕从不同的角度看待世界，尝试透视图和比例，聚焦和散焦-这是使您的创造力与众不同的唯一方法。

镜头拍摄的技巧有哪些？比如说，正打和反打，还有固定，还有什么呢？

大学生微电影网里有好多拍摄教程，可以去看看 拍摄电影的技巧 1，拍摄前观察环境　　摄像前要先注意周边的状况，这样在拍摄时就可以考虑哪些场面用多长焦段的镜头。另外，拍摄时可千万不要大意，时刻不可忘记周边或是身后的状况，特别对背后的沟渠、马路等要引起重视，不要脚踩空或来往车辆造成不必要的伤害 ,2，场面宏大摇镜头　　摇镜头是最常用的手法之一。当拍摄的场景过于宏大，如果用广角镜头不能把整个画面完全拍摄下来，那么就应该使用“摇摄”的拍摄方式。摇摄是指当摄像机机位不动，借助于三角架上的活动底盘或拍摄者自身的人体，变动摄像机光轴(镜头横向或纵向移动)的拍摄方法。 ,3，,移摄抓拍人物　　“移摄”是将摄像机架在活动物体上随之运动而进行的拍摄，用移动摄像的方法拍摄的画面称为移动镜头，简称移镜头。用数码摄像机进行移动拍摄非常方便。移动拍摄可以使用画面框架始终处于运动之中，画面内的物体不论是处于运动状态还是静止状态，都会呈现出位置不断移动的态势。移摄一般分为前后移动拍摄、左右移动拍摄、弧形移动拍摄以及上下移动拍摄等几种方法。 4，跟摄端稳最重要　　“跟摄”是摄像机始终跟随运动的被摄主体一起运动而进行的拍摄，用这种方式拍摄的画面称为跟镜头。在跟摄时跟上、追准被摄对象是跟镜头拍摄的基本要求，因为镜头大幅度的上下跳动极容易使观众产生视觉疲劳。 ,5，变焦拍摄注意定格　　平时我们经常从电视上看到这样的画面，镜头对准一个广阔和场景，渐渐地镜头推进，最后聚焦于某个细节，这种方法经常运用于花卉、烛光、小动物等细节的拍摄。 ,6，长焦距拍摄防抖动　　长焦距镜头具有视角窄、景深小的特点，有“望远”的效果，现在家用DV的光学变焦都达到10倍以上，有的甚至能达到30倍以上，远在10米之外的细小物体如同就在眼前伸手即可触摸到似的。但是，要想拍好长焦距镜头，需要注意：要防止DV抖动。

详解：电影《盗梦空间》的镜头运用及拍摄手法……

　　环球制片厂第12号棚戒备森严，摄制组正在一堂超现实的布景中准备拍摄一条镜头。一间天花板很高、墙壁为黑色的巨大洞室被细细的白色格子线划分为若干区域。100多只高空灯悬于空中，下面是一层柔光布和一层muslin，投下的光中性、干净、不带阴影。演员Cillian Murphy跪在地板上。一声Action令下，两台摄影机开动，一台捕捉场面的是变形35毫米，另一台记录动作的则是65毫米。突然，地板上出现一条裂缝，一大块奇形怪状的布景掉下来，Murphy和场景一起陷入地洞。一时尘土飞扬，只听导演Chris Nolan大喊一声Cut。不多会，液压机将塌陷的地板送回原位，准备拍第二条。

　　这是影片Inception拍摄中引入注目的一刻，Nolan与Wally Pfister，ASC的最新合作。本片亦由Nolan撰写剧本，故事将梦境的体验推向极致：有人能侵入别人的梦乡，并让许多人连通起来做同一个梦，可以人造、篡改梦境以操纵做梦的人。主角Dom Cobb（Leo DiCaprio）盗梦以牟利，他在公司间谍这行里成绩斐然，成为了国际通缉犯。

　　和Nolan与Pfister以前的作品一样，他们的出发点仍然是摄影的写实。“归根结底，我们在做梦的时候，觉得梦是真实的，这也是片中的一句台词，”拍摄结束时Nolan说道，“这一点对摄影、对这部影片的方方面面都十分重要。我们不想让梦境段落体现出画蛇添足的超现实感。我想让这些段落和真实的世界一样牢靠。所以我们的方法是让梦像真的一样。”

　　“有时候人物不知道他们看到的是梦，所以真实和梦之间的视觉衔接必须是无痕迹的，除非某些特定的点，我们想让观众知道这之间的区别，”Pfister说，“多数情况下影片里的超现实感是来自环境，而不是摄影技巧。通过保持一种写实感，我们相信在需要的时候，能创造一种奇异或不安的微妙感觉，而不需要将观众带出故事。”

　　他们对The Dark Knight里混用变形35毫米和15孔65毫米（译注：指IMAX）的效果很满意，所以这次还想试试在Inception的某些段落中再用某种大幅底片。“我们一直都对高清晰度和高画质的格式很感兴趣，”Nolan说，“我们决定用变形35毫米作为主要的胶片格式，因为这毕竟是最好用的一种，摄影机非常轻，效率很高，我们也有很多经验。但我们也决定在某些大场面和形式化强的场景里用大幅底片来拍。”

　　首先排除了IMAX，因为他们决定，大量的手持拍摄会是这部影片的基础。“我们想在一些狭小的地方拍很多手持镜头，要一种纪录感，”Nolan说，“有非常多身体挑战性很强的工作。”

　　用胶片拍永远是前提。“胶片拥有极高的曝光宽容度和动态范围，给我们无限的创作灵活性，”Pfister说，“我能在同一格画面里欠曝3档和过曝5档，最后在银幕上展现整个范围。我见过的所有数字机器都办不到。所有的数字机都想模拟35毫米胶片，这就是原因。”

　　在他们寻找最合适的大幅方案期间，他们见了传奇大师Douglas Trumbull（译注：为2001、Blade Runner等片制作过特效），参观了Showscan演示（译注：Trumbull发明的一种65毫米胶片高速拍摄、放映技术）。他们还研究了Super Dimension 70，这是Robert Weisgerber设计的一种系统，能以48fps拍摄并放映。“很奇怪，尽管Super Dimension 70有着超凡的清晰度，但它的画质只比HD好些，”Pfister说，“我们不能用那个。”他们还放了ASC会员Bill Bennett和Kees van Oostrum拍的一段试片，用65毫米拍大景别镜头，用35毫米拍小景别镜头，再组合起来。“我们发现35毫米和65毫米剪在一起很不错，”Pfister说，“大景别镜头的细节丰富，清晰度也好，尽管画面上东西显得小。一见之下我们决定用这种方式。”两人最终决定选用65毫米底片加上35毫米的VistaVision 8孔底片（VistaVision用于航拍，摄影师是Hans Bjerno）（译注：VistaVision是上世纪50年代派拉蒙公司发明的一种画幅比为1.66:1的宽银幕格式，底片在摄影机内横走，采用这种格式的知名影片包括The Searchers和Vertigo，这种格式很快遭弃，但好莱坞有时仍用它拍摄特效镜头）。

　　和他们以前拍的作品有所不同，他们还决定大量镜头要用高速摄影，Pfister主要用Photo-Sonics 4ER加Panavision镜头来拍，帧率可以达到360fps，以及Photo-Sonics 4E Rotary Prism，帧率可高达1500fps（某些高速摄影场景也用了PanArri 435ESA和Vision Research Phantom HD摄影机）。“我以前拍的东西很少用高速镜头，因为我觉得这天生的不真实，”Nolan说，“但这是Inception不可或缺的一部分，因为梦中世界和现实世界之间的时间关系非常特别。我们希望用高速摄影以及速度的剧变来达到叙事效果，而不仅是为了追求美学效果。”

　　Pfister早知道他要对付一大堆摄影机、底片格式，以及高速摄影带来的曝光不足，所以他将所用底片限制为两种：Kodak Vision3 500T 5219和250D 5207。“我不喜欢用换底片的方式来达到不同效果，我知道这么做对有些摄影师很有用，但我宁愿调整布光或曝光。我喜欢用相同底片的简单感觉。日外景我们一开始加ND.6或.9，如果光线转暗，就把滤镜拿掉。”

　　影片制作在六个国家展开，全部拍摄时间92天，最开始在日本，Pfister的工作有赖他的常规班底：摄助Bob Hall和Dan McFadden，灯头Cory Geryak，和灯助Ray Garcia。（英国部分的灯助Ryan Monro也是很重要的合作伙伴）。东京的Imagica、巴黎的LTC，和伦敦、北好莱坞的Technicolor公司负责洗印35毫米；拍摄期间，Technicolor公司位于北好莱坞的洗印厂负责洗印65毫米。（伯班克的Iwerks从65毫米底片缩印制作变形35毫米的毛片）。

　　日本的两天拍摄日程包括航拍和一些高铁外景，之后剧组移师英国Cardington的一座飞机棚，The Dark Knight和Batman Begins的大部分镜头都是在那里拍的。这里是拍摄剩下镜头的大本营。棚内搭建好了壮观的布景，包括一间可以倾斜30度的宾馆酒吧，以及一座水平放置的电梯。特效指导Chris Corbould负责监工制造。“Chris从Batman Begins起就和我们一起工作了，他绝对是了不起的工程师和艺术家，”Pfister说，“要不是他，真难想象怎么制作这么大规模的一部影片。”

　　位于Cardington另一处场景是一条宾馆走廊，用于零重力场面的拍摄。这条走廊建了两次，透过摄影机看去两次内景一模一样。第一次，整个走廊像烤肉架一样垂直旋转360度，摄影机望向走廊的底部，不受影响地前进（借助Technocrane完成），或者装在特别设计的轨道系统上，让用陀螺仪固定的摄影机在一条暗藏的沟槽中前后移动（想想Fred Astaire在屋顶跳舞的情形，或者2001中的内景零重力场面）。第二次，走廊竖直站立起来，摄影机装在能够伸缩的Towercam平台上，笔直向上看。演员用威亚吊着在空中表演。在走廊里拍摄的第三种办法是将演员放在推车上，画面上的推车在后期去除。

　　Nolan希望走廊能不复位就自由旋转。Geryak解释说：“我们找到一家公司，设计了一套滑轮刷系统，供应走廊的动力，我们告诉他们具体要求，于是他们建立了一套旋转木马式的系统，将电力输送到平台上。我们的调光硅箱已经在上面了，这是一种新式的操作方案。我们要平衡电线和硅箱的重量，以免平台上负载不均。”因为要拍高速镜头，需要大量的光，而灯具要弄得十分结实，因为演员可能摔到上面。美术部门设计了很实用的固定装置，每个能装6只150W泛光灯。四周根据环境还装有壁灯和一只底灯，一些1000W的灯泡藏在乳白玻璃后面，光圈值一般是T2.8 1/2。

　　走廊段落要求特殊的动作节奏，动作指导Tom Struthers和演员紧密协作，判断什么动作能够实现并且安全。“我们有一对用于实现实拍效果的key rig，是得到了2001的启发，还有Kubrick拍摄无重力场面的办法也对我们有启示，”Nolan说，“我很有兴趣将这些想法、技术和哲学融入动作场面中。我激励Tom Struthers、Chris Corbould和Wally的团队将一场动作戏的所有能量集中到一个机位下，这样我们就能用这些卓越的装备进行拍摄了。我想最终的结果是有趣的混合体，超现实、离奇，但拥有惊人的动作节奏。”

　　“安全是十分重要的，演员很痛苦，他们要在墙上撞来撞去，”Pfister说，“他们必须学会在适当的时机起跳。我们有人将手随时放在开关上。”

　　还有一台精美的布景是宾馆酒吧，里面的重力会突然变化，屋外的天气也会骤变。Corbould团队建的这个场景倾斜30度，窗外是绿幕，后期会用真的街景替换。为了实现布光的变化，Pfister的人将所有装置连到一个调光板上。这个场景一开始的光是日落时分，所以用Molebeam灯加2 1/2 CTS滤光片。用60英尺长的柔光箱装满maxi-brute灯，盖上柔光布，制造阴天的光。“这是摄影技巧和照明体现出超现实的一个场景，但是是故事的一部分，”Pfister说，“仍然是自然主义的手法，所有光源都是有根据的。非同一般的是它变化的方式。结合布景本来的倾斜，创造出一种非常不安的感觉。”

　　把电梯放平是Nolan的主意，Pfister说，“这样能使我们得到别的方法都做不到的视角。一般的好莱坞电影，这里一定会成为特效密集的场景，但我们的策略是尽可能用摄影机完成，为了真实，结果非常成功。”

　　在英国拍完后，剧组又在巴黎工作了一周，在摩洛哥工作了两周，才回到洛杉矶拍一个发生在市区的雨中动作段落。Pfister说，最大的挑战是用Condor和超大的旗帜挡住太阳。“Ray Garcia干得很棒，他有层出不穷的办法去挡阳光，让雨显得十分真实，”摄影师说，“有时我正为刺目的阳光偶尔溜进镜头而烦恼，做事效率第一的Chris就会提醒我，反正这是梦。”

　　有一部分是一列真正大小的火车脱轨在城市大街上飞驰。为了达到这个效果，美工设计师Guy Dyas搭了个假火车头，下面是18个轮子的底盘。Pfister说：“细节很棒，我们用65毫米和超大摇臂拍的这些镜头，还有许多洛杉矶市中心的动作场面。”火车驰近，手持拍摄的Pfister用了很多设备来让画面晃动，但最后他选择了用手直接摇晃。他笑着说：“最简单的办法往往是最好的。”

　　高速摄影部分，他们经常用到机器最大的帧率。许多场景都是在日光下拍摄，也有几个是用灯光拍的。有一场戏在洛杉矶市中心一家宾馆的三楼拍摄，Cobb向后退，踏入一个装满水的浴缸，他的梦被惊醒。为了提升效果，表现Cobb从梦境回到清醒状态，Nolan要求帧率剧变，达到1000fps，必须用更快的Photo-Sonics摄影机，并且欠曝7档。Geryak说：“拍1000fps我们需要大光圈，但这里要用的镜头只能到4.5。在24fps下测量，我觉得边缘光相当于f/90。做法是窗外架两台Condor，各装两只Arrimax 18K反光碗Par灯，距离Leo不足15英尺。我们还在天花板上安了两只12K Par灯作补光，担任他光替的演员立即汗如雨下！”Pfister说，“镜头很棒，你可以看清每滴水珠，给人一种超越俗世的感觉。”

　　另一个复杂的镜头是沿着水平轴360度旋转一辆货车。目标帧率是1000fps，Geryak建了一条隧道，被Nolan开玩笑称为“天价隧道”，Geryak解释说，“我们用钢梁搭成一条隧道，有6排每排5只18K的菲涅尔灯，排好围着那辆货车，直直照射。货车就在隧道内旋转，出来的效果像用阳光织成的毯子包裹着一样。我们没有在地面上布光，所以货车在旋转当中交替露出的暗影表明它正在翻筋斗。”

　　剧组在华纳兄弟公司的摄影棚内搭了一堂日本城堡的内景，拍摄中又将之毁去。这部分胶片和在加州Palos Verdes的Abalone Cove拍的外景镜头组合在一起。还有个段落，一堂冬季山上碉堡的内景建在环球公司摄影棚内。这场戏，碉堡毁灭时地板碎片纷纷落下，为了比较实际地达到这个效果，制作组将这台布景造得比一般的要高，这样地板才能在指定时间碎裂落下，布景四周是绿幕，后期会用落基山的雪景换掉。

　　“外面既要有足够的绿幕，又要一种日光从窗户射进的感觉，灯具和绿幕之间必须有一段距离，换句话说，绿幕必须超大，”Geryak说，“我们知道实地在Calgary附近，有柔和的环境光，而且太阳在山后面，所以我们弄了十几个20英尺长的柔光箱，可以升可以降。柔光箱经过特殊设置，以便配合不规则三角形窗户的形状。”摄制组将高空灯挂在紧邻窗户外的上方，创造出自然的天光感觉，当地板陷落时光线可以更强烈地涌入。

　　这个段落的外景在Kaninaskis Country拍摄，那是在加拿大Alberta的Calgary以西的山里。这个山中碉堡我们建了两个版本，一个是真实大小，一个是缩微模型，最终用于爆破。滑雪组的摄影指导Chris Patterson拍摄了十分精彩的滑雪镜头，Pfister说：“看了他的杰出工作，当时我们就震惊了。”

　　到剪辑阶段，Nolan想玩交叉剪接，所以他要求Pfister给每个不同的景地和梦境都赋予不同的感觉。“从一个地方转到另一个地方，我们希望在色调上有些变化，”Pfister说，“Calgary有一种贫瘠冷酷的感觉，走廊是暖色调，货车则是中性的。即使我们切到很小的景别，即使切到脱离背景的孤立东西上，你也可以马上知道身在何处。这是方便讲故事的一种手法。”

　　“这部影片十分依赖交叉剪接，”Nolan说，“如果不同场景的外观截然不同，剪辑时你可以十分放松，但Wally和我都不想对画面做太人为的加工。相反，我们想找到每个地方的自然色调。在剧本里，我就想好让不同的行动线索发生在设计和感觉上天生有异的地方。我们要求每个人注意观察，包括美工和声音部门，而Wally将这个原则优雅地溶入摄影中。”

　　“在布光方面，我认为自己是个自然主义者，”Pfister说，“我不是太风格化。在某些情况下，因为创作的选择或者天然的美，画面最后看上去挺风格化的，但那是很自然形成的。真有意思，Chris和我居然能用这种方式在好莱坞拍大片。

　　“因为这个原因，我总是尽力保持不让画面显得太过复杂，”这位摄影师续道，“我从来不想看上去照明的痕迹太重——或者说一点照明的痕迹都不要有。秘诀就是尽可能快并简单地工作，同时又不要搞成赶工。我想这要归结为我早年接受的新闻和纪录摄影训练。拍那些东西你要找到自然光下的美。你总是从最简单的方面开始：从什么方向看过去，选择一天中的哪个时间，单光源或多光源。你搞清楚真实生活中什么办法是有效的，然后你就根据自己的品味形成观点。我一直带着这种看法，不仅是实景，连棚景也一样，即使我们有条件去精心雕琢。”

　　Pfister坚持操作摄影机是他的方法的一部分。“如果是好的摄影，我无法区分好的布光和好的构图，因为它们溶为一体。如果是手持拍摄，我总想亲自操机，因为我可以随时改变想法并作出反应。Chris和我对于捕捉动作有一套不二法门——从后面拍，从前面拍，然后用不同景别把它们连起来。亲自操机使我在素材、剧情、布光和环境发生变化时能够在这个原则下随机应变。”

　　Inception的后期涉及若干不同的处理工序。根据后期指导David Hall说，两个Phantom HD镜头加进终剪版本后被送到伦敦的Double Negative公司进行特效处理。65毫米的底片在DKP 70mm Inc.用6K扫描，由该公司总裁David Keighley亲自监督。扫描成的6K文件被送到好莱坞的Technicolor公司，让工作人员从6K数据中提取冲成4K 35毫米，和本来的35毫米相组接。Pfister和老搭档David Orr一起在Technicolor公司完成了所有光学配光工作。除了35毫米和数字拷贝，Inception还会在某些市场以70毫米IMAX格式放映，DKP 70mm Inc.扫描了配好光的35毫米中间正片，然后制作IMAX拷贝。

　　“传统的光化学处理方式很简单，也很适合我们，”Pfister说，“拍摄时我很小心色平衡和曝光的问题，所以后期不需大动。如果我们想一场戏有更强的对比，我们可以从布光、服装或美术设计上想办法。全部配光我们只用了三个A拷贝，花了一般数字中间片流程所需时间的一半。”

　　技术指标：

　　2.40:1
　　35毫米、65毫米和高清

　　Panaflex Millennium XL, PFX
　　System 65 Studio; PanArri
　　435ESA, 235; Photo-Sonics
　　4ER, 4E Rotary Prism;
　　Beaucam; Vision Research
　　Phantom HD

　　Panavision Primo, Super High
　　Speed, C-Series, E-Series,
　　G-Series, System 65 lenses

　　Kodak Vision3 500T 5219, 250D 5207

　　Specialized Digital Intermediate

　　Printed on Kodak Vision 2383